Título Original: Daft Punk`s Electroma Direção: Thomas Bangalter, Guy-Manuel De Homem-Christo Duração: 74’’
Nacionalidade: Americana / Francesa Idioma: - Ano: 2006
Elenco: Thomas Bangalter, Guy-Manuel De Homem-Christo
Vivendo em um mundo pós-Isaac Asimov que parece ter se paralisado no tempo e onde, apesar da inexistência de humanos, os robôs contemporâneos adotaram a nossa cultura e os nossos costumes, Robot 1 e Robot 2, os protagonistas da historia (incorporando o próprio Daft Punk) buscam sua própria humanidade.
Exibido pela primeira vez no Festival de Cannes de 2006, Electroma acompanha o lançamento do terceiro álbum do duo françês (Human After All, 2005), similar com o acontecido com o CD Discovery, de 2001, que dois anos depois ganhou o longa Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem, animação que narra a aventura de uma banda de alienígenas azuis (todo o mundo lembra do clipe de One More Time). Apesar do histórico, Electroma é diferente, muito mais ambicioso e sério que 5555 (que na verdade era uma série de videoclipes com continuidade narrativa), o filme de 2006 é independente do CD (apesar de terem o mesmo motif) e dialoga com um formato de cinema experimental. Abdicando dos diálogos, Electroma narrativamente não nos conta muito, temos poucas situações e praticamente nenhuma complicação ou turning point. A jornada existencial dos robôs não é preenchida com ações, mas com resoluções de uma busca que começara muito antes do primeiro plano.
O filme começa em um ano desconhecido, com os dois robôs dirigindo um carro pelo deserto californiano. Eles chegam a uma pequena cidade dos subúrbios, onde os dois tem um compromisso em um estranho laboratório que confecciona máscaras humanas. Um lugar super high tech e clean, onde as roupas dos funcionários se misturam com o fundo branco, tornado fantasmagórico o trecho em que dois deles, ao carregaram perucas, se tornam invisíveis como corpo, deixando as duas perucas “flutuarem” no espaço. Satisfeitos com o trabalho, Robot 1 e Robot 2 decidem dar um passeio pela cidade pacata, exibindo seus novos rostos e causando choque na população. Contudo, sua alegria não dura muito tempo: em poucos instantes sob o sol escaldante, suas máscaras começam a derreter. Em vista disso, os outros robôs se rebelam e começam a perseguir os hereges (aqui é o único momento em que a câmera, ao retratar a dupla principal, deixa de lado o cuidado com o formalismo e adota uma imagem caótica). Toda a sequência da cidade nos remete a uma vizinhança tranquila, habitada por centenas de cabeças metálicas (aqui, Stepford é fixinha). Apesar do visual high tech da dupla, da própria questão da robótica e do laboratório das máscara humanas, toda a ambientalização do filme parece se basear nos anos 70. Do figurino aos carros, praticamente não temos nenhum acesso a algum objeto estranho, aqui o futuro se volta para o passado. A dupla de robôs tem um quê revolucionário (a busca pela humanidade perdida) e são repreendidos por uma sociedade conservadora, acostumada com suas pastas de couro marrom e com o casamento católico. Quem sabe a forma mais direta de representar uma moralidade conservadora robótica não seja através do uso de símbolos que nos são familiares na história humana?
Fugindo da multidão enfurecida, os dois encontram abrigo em um banheiro, onde, desolados, se observam no espelho e começam a tirar suas máscaras deformadas. Pela primeira vez nos é mostrada uma diferença de personalidade entre os dois (ao precisar da ajuda do Robô Dourado para remover sua máscara, o Robô Prata se mostra mais enfraquecido). Nesta cena temos a maior quantidade de plano contra-plano entre os dois robôs, utilizando um dos artifícios mais comuns no filme: a repetição e a distensão, que serão comentados a seguir.
Escolhendo não integrar à trilha nenhuma música de autoria própria, Thomas e Guy-Manuel parecem ter colocado o interesse na coesão estética do filme em frente ao seu potencial publicitário. Conhecidas pelas batidas repetitivas e pelos vocais metalizados, a música eletrônica da dupla seria um artifício por demais repetitivo para acompanhar a sua jornada (que o que menos busca é um contato maior com a frieza da máquina). Essa frieza já está presente em outros elementos do filme, principalmente na maneira como a maioria das cenas explora ao máximo o seu próprio conteúdo (sendo através da decupagem, como na sequência inicial do filme, onde temos cerca de 28 planos mostrando a mesma ação, ou da distensão do tempo de corte, como nas sequências em que os dois caminham pelo deserto). A repetição e a distensão integram a linguagem entre os robôs. Como não existe nenhuma mudança de expressão facial nos personagens e a linguagem corporal é muito dura, a repetição de planos (principalmente primeiros planos) dá mais tempo e mais códigos (sutis) ao espectador, que está sempre em busca de decodificar e de compreender o que está vendo (a busca da humanidade interior dos robôs se reflete em quem tenta se identificar com eles). Entre tanto conteúdo imagético-dramático e falta de conteúdo narrativo, o filme não facilita a entrada do espectador, mesmo estando longe de ser um filme de difícil digestão. O maior perigo é acabar se cansado da falta de ação e achar que tudo não se passa de um grande videoclipe.
Engraçado, já que um dos artifícios que mais fornece fôlego ao filme são os próprios clipes musicais. Estes estão sempre pontuando os momentos de maior intensidade dramática (o passeio com as máscaras humanas, a remoção das máscaras derretidas, a caminhada pela deserto, etc) e aderindo “humanidade” aos anseios dos dois robôs, principalmente no clipe em que é utilizada uma montagem paralela sem relação causal direta. No clipe, vemos os dois caminhando pelo deserto, após a decepção de ter suas máscaras humanas derretidas. Em paralelo aos planos da caminhada, temos vários planos das dunas do deserto (extremamente bem fotografados, com movimentos de câmera equilibrados e tocantes). Quando a câmera se aproxima das dunas, conseguimos enxergar sua textura, que se assemelha muito a da pele humana. Como a câmera está em constante movimento, as texturas se tornam por vezes nítidas e por outras borradas, gerando uma percepção inconstante. O órgão humano (pele) se torna visível através de um elemento natural (a areia), o que difere completamente dos protagonistas, robôs artificiais. A diferença entre essas duas situações nos ajuda, de maneira muito elegante, a compreender a melancolia dos personagens. Para arrematar, o último plano dessa sequência (e um dos melhores do longa) é um plano frontal em perspectiva das pernas abertas de uma mulher (o que a primeira vista nos parece outras dunas, se torna mais concreto a medida em que a câmera de aproxima aos poucos dos pêlos em contraluz).
O deserto torna-se o fim da jornada. No ambiente árido, os protagonistas que estão a dias caminhando à esmo, decidem se suicidar (ou se auto-destruir). O primeiro a tomar essa decisão é o Robô Prata, que durante toda a segunda metade do filme caminha cabisbaixo (um exemplo da sutiliza que se torna mais clara através da repetição). Tirando sua jaqueta, pede concessão ao amigo para que possa desativá-lo. Alguns instantes depois, o agora solitário Robô Dourado decide levar o mesmo fim.
Abaixo, listo as Três Leis da Robótica, criadas por Isaac Asimov no livro “Eu, Robô”, de 1950.
- 1ª lei: Um robô não pode ferir um ser humano ou, por omissão, permitir que um ser humano sofra algum mal.
- 2ª lei: Um robô deve obedecer as ordens que lhe sejam dadas por seres humanos, exceto nos casos em que tais ordens contrariem a Primeira Lei.
- 3ª lei: Um robô deve proteger sua própria existência desde que tal proteção não entre em conflito com a Primeira ou a Segunda Lei.
Electroma não cria nenhuma relação direta com o livro se Asimov, mas se tratando de um livro clássico sobre o tema e de uma banda que desde sua formação dialoga com conflitos como natural/ artificial, humano/ não-humano, me parece interessante (e divertido) a ideia de usar as Leis para ajudar a interpretar o desfecho do filme. A decisão individual da auto-destruição (seja no Robô Prata ou no Robô Dourado) é uma decisão auto-suficiente, tanto pelo fato de se limitar somente a sua existência, quanto pelo fato de que não corresponde à relação imposta pelas Leis (que regem o contato humano-robô). Com o desaparecimento da humanidade, os robôs ganham pela primeira vez liberdade e independência. E que estrutura social isso gera? Um espelho dos costumes humanos. Enquanto alguns robôs se espelham nos anos 70, outros dois buscam a imperfeição e a dúvida humana. A cultura robótica como nos é apresentada não é genuína, é uma repetição, mas o ato de auto-destruição o é. Tanto a redenção final quanto a própria busca dos protagonistas teriam, através da sua genuinidade, os aproximado de atos humanos, pois são atos pessoais e intransferíveis. A faísca do livre arbítrio. Human, human, human after all.
Daft Punk's Electroma from Pedro Varela on Vimeo.
LINKS EXTERNOS LINKS EXTERNOS LINKS EXTERNOS LINKS
http://www.imdb.com/title/tt0800022/
daftpunk.com/
http://pt.wikipedia.org/wiki/Daft_Punk
http://pt.wikipedia.org/wiki/Isaac_Asimov
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